Voltando a ativa...

Após mais de um ano sem aparecer pela cena teatral, o Grupo Redescobrir prepara novo espetáculo com estréia prevista para o próximo semestre.

Depois das monstagens de sucesso de "Pedro Pedreiro", "Balé Ralé", "Joana D'Arc", "Simplesmente Ela" entre outras, e depois de longas férias dos palcos onde o elenco fez aperfeiçoamentos através de diversos cursos e experimentos, finalmente o grupo volta com um trabalho novo mas no estilo Redescobrir de ser.

O tema? Surpresa. Aguardem mais uma loucura e preparem-se para perder o fôlego com mais um trabalho alucinante.

E o prêmio vai para...

Mais uma vez Tathi Corrêa é premiada como melhor atriz.

Depois de dois prêmios como melhor atriz no Mapa Cultural Paulista no Guarujá-SP, agora foi premiada com o 2º lugar na categoria Melhor Atriz.

Ela que agora está brilhando também no Rio de Janeiro, participou de um  festival de esquetes e ganhou o seu primeiro prêmio em terras cariocas.

Parabéns Tathi.. você continua sendo o grande orgulho do Grupo Teatral Redescobrir.

AS ESCOLAS E ESTILOS

A palavra teatro vem acompanhada normalmente de um adjetivo. Os defensores da ortodoxia cênica recusam algumas qualificações, por julgá-las pleonásticas. O conceito de teatro já compreenderia, por exemplo, o social e o popular. Essas reinvidicações extremadas, entretanto, não impedem que se dependure sempre um qualificativo no teatro. As escolas afixam-se a ele: teatro romântico, realista, naturalista, simbolista, expressionista, surrealista, futurista, dadaísta, etc.
A seguir enumeramos as principais escolas ou estilos dramáticos, dando seus respectivos significados, embora de maneira sintética e também elementar.

Romantismo: Mostra as coisas fantasiosamente, explorando o sentimentalismo.
Realismo: Mostra as coisas exatamente como são, sem retoques.
Mostra as coisas tão naturalmente quanto possível, à semelhança de uma reprodução fílmica da realidade.
Expressionismo: Mostra as coisas não como elas se apresentam normalmente, e sim como julga que devam ser na sua essência.
Surrealismo: Mostra as coisas sem qualquer coerência, como ocorre no mecanismo dos sonhos.
Simbolismo: Mostra as coisas acentuando, poeticamente, através de alegorias, a significação que elas encerram.
Dadaísmo: Mostra as coisas de maneira lúdica, sem dar ao pensamento um sentido lógico.
Futurismo: Mostra as coisas em condições inéditas, projetando-as dinamicamente no tempo.
Realismo Seletivo: Mostra as coisas como são, porém em termos manifestamente artísticos, sem copiar a naturalidade da vida.

OS GÊNEROS DRAMÁTICOS

Na atualidade é difícil distinguir com exatidão os gêneros dramáticos, em virtude da grande da evolução que o teatro teve, todavia, por um esforço de boa vontade, vamos fornecer, sem maiores pretensões, uma idéia elementar dos mesmos, alinhando-os assim:

Tragédia: Peça de enredo funesto, dominado pela fatalidade e desenvolvido em tom de grandiloqüente.

Comédia: Peça em que predomina a sátira e a graça.

Drama: Peça que situa entre a tragédia e a comédia.

Tragicomédia: Peça trágica entrecortada por incidentes cômicos, cujo desenlace não é funesto.

Melodrama: Peça dramática na qual as situações são exageradas, dando-se ao trivial demasiada ênfase.

Farsa: Peça cômica marcante pela caricatura e tonalidade burlesca.

Revista: Peça de estrutura fragmentada e divertida, onde cenas de humor se alternam com números musicais valorizados pelo canto e pela coreografia.

Opereta: Peça feita à feição de pequena ópera estilizada.

Vaudeville: Peça cômica sustentada quase sustentada quase que unicamente pela intriga e pelo qüiproquó.

Commedia Dell’Arte: Peças praticamente improvisadas em cima de sinopses, com liberdade para os atores interpretarem a seu modo os personagens de caracterização fixa.

Sketches: Peças ligeiras, de curtíssima duração.

SONOPLASTIA

A sonoplastia é de suma importância na atividade teatral. O sonoplasta espírita, em primeiro lugar, deve seguir todas as recomendações gerais dadas acima ao espírito-espírita. Além disso, o estudo de técnicas, teorias teatrais e principalmente música é fundamental. Quanto às suas tarefas específicas, é necessário que o sonoplasta possua um repertório musical minimamente diversificado, para que possa fazer de sua atividade um instrumento de ampliação do sentimento da cena. Lembrando-se sempre de que as músicas e sons utilizados devem estar intimamente ligados ao que acontece na cena, o sonoplasta deve acompanhar o texto passo a passo e estudá-lo também, a fim de desempenhar como vários já explicaram sonoplastia vou lhe recomendar um filme onde há sonoplasta: "Um tiro na noite" do Brian de palma, o John Travoltta é quem faz o sonoplasta. Cada vez mais satisfatoriamente sua tarefa.

ILUMINAÇÃO

Tanto o estudo quanto a documentação concernentes à iluminação no teatro brasileiro ainda estão por ser realizados.1 Dispomos de pouquíssimas informações a respeito do assunto e, na volátil circunstância que cerca o fenômeno teatral, ela parece ser sua parcela mais fluida, desaparecendo com o blackout final.
No Brasil, a iluminação cênica conheceu, grosso modo, todos os estágios por ela experimentados em seu desenvolvimento histórico na Europa. Nossas primeiras manifestações teatrais, com a arregimentação de índios Tupi por José de Anchieta, ocorreram nas ensolaradas praias litorâneas, sob a luz natural que havia saudado o nascimento do teatro ocidental na Grécia Clássica, 2 mil anos antes. Nossas “casas de ópera”, os edifícios teatrais da era colonial, empregavam candeeiros e velas, tal como nos teatros metropolitanos, recursos que permitiam bem poucos efeitos ou atmosferas cênico-ficcionais. A partir da segunda metade do século XIX, foi introduzida a iluminação a gás e, já na virada para o século XX, a de lâmpadas incandescentes. Esse último recurso veio a possibilitar, dentro de seus limites, certo manejo estético da iluminação.
As considerações sobre a luz cênica não devem ser dissociadas daquelas relativas ao espaço cênico e à cenografia, não apenas pela contigüidade que manifestam mas, acima de tudo, porque, na maioria das vezes, os responsáveis pela iluminação eram os decoradores e cenógrafos, que a exerciam em modo complementar. Como função autônoma, o iluminador só vai surgir, no plano internacional, na primeira metade do século XX e, no Brasil, salvo raras exceções, a partir dos anos 1970, embora a atividade permaneça ainda hoje, em não poucos casos, como extensão das funções do encenador ou do cenógrafo.
Antes de iniciar um brevíssimo painel sobre os percursos evolutivos da iluminação teatral entre nós, gostaria de destacar algumas de suas particularidades estéticas.
A luz natural, proveniente do Sol e se deslocando segundo seu curso aparente, é percebida em si mesma como dramática, pois cria efeitos de sombras, faz brilhar superfícies, possibilita a gama de cores, cria relevos e alternâncias, infunde calor, propiciando a captação visual dos contornos, o sentido da tridimensionalidade e da perspectiva, além da duração dos instantes.
Independentemente de estilos ou afiliações artísticas dos espetáculos, a composição de um plano de iluminação para um espaço fechado deve equacionar ao menos quatro propriedades da luz, a ser pensadas em função de seus valores dramáticos:
intensidade: da menor claridade até o maior brilho alcançável, a iluminação possibilita o fenômeno da visão. A intensidade trabalha com alguns atributos,

CENOGRAFIA

Uma cenografia não é um telão; é um envolvimento. Representa-se em cena, não em frente dela. [...] Uma boa cena não deve ser uma pintura, mas uma imagem. [...] É um sentimento, uma evocação, uma presença, um estado de alma, um vento morno que ateia as chamas do drama. Pretende ser compreendido por todos, da mesma maneira, em qualquer parte do mundo. Na verdade, o que para um pode ser uma expressão cenográfica sublime, poderá parecer bastante desagradável para outro. Um cenógrafo, usando material velho, poderá nos deixar sem fôlego com seu trabalho. O mesmo cenário que nos fascina, a outro pode parecer um amontoado de lixo. Como qualquer atividade artística, a cenografia revela, através do material e das formas que usa um conjunto de emoções e de idéias relativas e pessoais. Não há dúvida de que a cenografia é de importância fundamental para o sucesso de uma montagem, devendo servir a inumeráveis objetivos. A cenotécnica, a iluminação e a indumentária permitem uma qualidade no resultado final do espetáculo tal que, cada vez mais, diretores e produtores buscam o auxílio de profissionais considerados competentes e de talento artístico inegável para a elaboração e a realização de seus projetos cênicos.
Mas a arte cênica é uma arte especial, difícil. Cabe ao cenógrafo conciliar uma série de condições para permitir uma resposta à proposta cênica do diretor. Tudo tem que ser previsto, calculado com o maior rigor, para que sejam evitados os exageros, para que não se sacrifique a intenção do dramaturgo, para que se respeite o sentimento exato da concepção cênica, sem apelar para efeitos banais e fáceis. O cenógrafo colabora com o diretor, mas também com o autor, no sentido de que, através dos elementos descritivos que propõe, sejam representados tanto o pensamento do autor, como a verdade cênica desejada pelo diretor.

FIGURINO

Figurino é parte da construção do personagem por intermédio do corpo da (o) atriz/ator. Sem o personagem não existe figurino. Sem o corpo não existe a roupa. E sem o corpo do ator não existe o personagem com seu figurino. Esse corpo não é o corpo anatômico, passivo, mas um corpo histórico e psiquicamente constituído por seu pertencimento a um local, a um tempo e a um grupo.Figurino é o traje usado por um personagem de uma produção artística.Cada época tem um padrão de corpo predominante. O figurino tem como suporte o corpo do ator que, necessariamente, traz em si elementos desse padrão. As mesmas medidas não determinam a adequação de um figurino, porque este figurino se soma ao que o ator tem de singular, ou seja, à maneira particular que o ator encarna, ao mesmo tempo, o padrão, que é mais amplo, e o figurino, que é específico. Figurinista - é o profissional que idealiza ou cria o figurino de diversos personagens de uma produção de cinema, teatro ou vídeo. Quase sempre as pessoas confundem a profissão de figurinista com a de estilista, embora só tenham em comum o fato de lidar com roupas. O estilista deve criar tendências para a moda, sempre comprometido com a estética e com a indústria de roupas. O figurinista não tem esta obrigação, mas a roupa que cria deve contar uma história, a história de quem está vestindo. Nada impede que um figurinista elabore desfiles ou um estilista faça figurino de um filme, como foi o caso do figurino masculino do filme Os Intocáveis, que foi criado pelo estilista italiano Giorgio Armani.O Figurino tem que revelar muito dos personagens, para elaborá-lo, o figurinista deve levar em conta uma série de fatores como a época em que se passa a trama, o local onde são gravadas as cenas, o perfil psicológico dos personagens, o tipo físico do ator e as orientações de luz e cor feitas pelo diretor de arte. Um(a) figurinista precisa ter uma boa formação cultural e acadêmica. Nos Estados Unidos, na França e Itália o figurino está diretamente ligado ao designer e à comunicação visual e existem cursos específicos para a sua formação. No Brasil a profissão está longe de ter o reconhecimento que merece e são poucos os cursos que existem.Cabe ao figurinista compor, através da combinação entre as roupas, adereços, cabelos e maquiagem, o tipo (estilo) que melhor convém ao personagem e estabelecer um código de representação que não, necessariamente, mantenha vínculo com a realidade.Existe uma grande distância entre o realismo cênico e a verdade histórica. É preciso associar os materiais pertinentes ao espírito das personagens, jogando no figurino sua atmosfera simbólica e psicológica. A verdade do "Eu" interior, traduzindo assim, a sua relação com o exterior.Figurinista é aquele que vai vestir os personagens de um determinado texto dramático, uma determinada história, sempre para localizar tempo e espaço e algumas vezes, marcar características psicológicas de uma determinada personagem.Diferente de moda, que produz em série, o figurino é sempre exclusivo.Os materiais que se utilizam, são os mais variados possíveis, e nem sempre estão comprometidos com a durabilidade e realidade. Aliás, o bom figurino, é aquele que consegue passar a idéia de um material nobre com recursos muito simples. Podemos observar este trabalho no cinema, no teatro, nos shows, no carnaval e em muitas outras festas populares.O que é preciso aprender para se tornar um figurinista?Ser figurinista começa na compreensão de um texto que um tem um formato dramatúrgico, que é diferente na sua estrutura e na sua leitura, pois não é um conto, nem um romance, que temos o costume de apreciar.A formação específica, ajuda imensamente na sistematização, na metodologia e na reflexão, que é essencial para se relacionar com o seu ofício .Na TV, temos profissionais vindos das escolas de moda, formação mais dinâmica, no campo do vestuário, especializadas em modelagem, o fazer técnico das roupas e novas tecnologias têxteis, contudo sem formação no contexto teatral cujo caracter é o ponto de partida essencial do figurino.Para ser figurinista , quais as melhores dicas?Desenho da figura humana ,suporte do figurinista, onde ela imprime sua marca, seu diferencial.Beber de todas fontes de aprendizado: filmes de época, peças teatrais, livros de arte. Saber ver e contemplar as coisas a sua volta, como as pessoas nas ruas, as tribos urbanas com suas diferentes formas de comportamento etc.Disponibilizar ferramentas atuais, como computador e a Internet. Enfim, ligar-se no mundo, viajar circular...Globalização significa que você pode desenvolver o seu trabalho em qualquer parte do mundo e ter o poder da universalidade. "Fale de sua aldeia, e falarás ao mundo".

Os Elementos do Espetáculo

Vamos ver agora os elementos de um espetáculo teatral sublinhando-lhes características e funções, para que bem compreendido possa ficar o fenômeno teatral, excluído o texto, ou seja, a peça, que veremos futuramente, temos:

O Palco (o espaço cênico)

O mais comum, nos dias atuais, é o palco à italiana, constituído por uma área de representação semelhante a uma caixa isolada da platéia, a qual só revela o seu interior ao público no momento em que o pano abre, removendo a chamada “quarta parede”, a grande maioria dos teatros profissionais possuem palco à italiana, no Brasil e em outros países. Trata-se do palco convencional. Depois dele está sendo bastante usado o palco de arena, local limpo, sem urdidura para manipular materiais de cena mecanicamente, quase sempre com espectadores distribuídos por todos os lados. Mas há mais três espécies de palco: o tréteau, que consiste essencialmente num estrado praticável encostado a uma parede, entrando e saindo atores pelas aberturas da mesma e nela também sendo encostados os cenários quando funciona como tablado ao ar livre; o palco à inglesa que é uma variante do palco à italiana, dele distinguindo-se porque prolonga o proscênio, anulando a ribalta e puxando para além da boca de cena os cenários e maquinismos das coxias; e finalmente o palco rebaixado, que difere dos outros, sobretudo do palco de arena, porque se localiza em nível abaixo de platéia, arrumada nos degraus ascendentes de um anfiteatro circundante.
Cada um desses tipos de palco, como é fácil perceber, presta-se efetivamente a determinadas representações, o que um autor dramático não ignora quando escreve condicionado pela necessidade de destinar sua obra a este ou aquele local, embora ciente de que o espaço cênico pode não só ultrapassar os limites do palco como se deslocar até para o meio da rua.

Direção

A encenação de uma peça depende muito da concepção que a seu respeito a direção do espetáculo formar. Tal direção é confiada sempre, a um teatrólogo, isto é, um especialista em arte cênica que pode ter uma visão do texto dramático completamente diversa da ótica de seu autor.
Não são raros os diretores propensos a aproveitar o texto dramático como mero roteiro para suas próprias criações, plástica ou subjetivas.
Diremos, em resumo, que à direção compete a responsabilidade de montar o espetáculo, emprestando-lhe unidade orgânica. Para isso precisa integrar, harmoniosamente, os diversos recursos artísticos: cenográficos, luminotécnicos, sonoplásticos, interpretativos, decorativos etc. Necessita, ainda, afora descobrir os tempos e movimentos dos atores (marcação), estabelecer o clima da ação e imprimir ao andamento do espetáculo a ritmo ideal, sem o que qualquer texto dramático pode ser um fracasso no palco, não obstante possua qualidades reais.

Interpretação

A interpretação é inquestionavelmente, o elemento mais decisivo do teatro, pois nele, o que conta é a visão dos personagens e da ação que não executam; e comparadas a esse quadro as palavras ditas não passam de um murmúrio de vida que acompanha uma imagem vital.
Tanto é possível a um intérprete mudar o sentido de uma frase pelo gesto quanto pela inflexão de voz, além do que uma pausa intencional, um silêncio estudado, às vezes, fala mais alto que muitas palavras (no folclore da arte cênica conta-se que um comediante do elenco de Stanislavski celebrizou-se por dizer “boa noite” de quarenta maneiras diferentes). Ninguém desconhece a riqueza da linguagem gestual que no palco, aperfeiçoada, parece não ter limites. Somente a mímica pelo semblante, mãos e braços, independentemente da postura do resto do corpo, é suficiente para compor um código capaz de transmitir quase todos os significados de qualquer situação vivencial.

Cenografia

A cenografia no teatro exerce a dupla função de localizar a cena no espaço e no tempo e de facilitar ou reforçar a ação dos personagens, além de predispor o público a se interessar pelo espetáculo.
Os cenários enviesados são dinâmicos, sugerem movimento e adaptam-se especialmente a cenas de ação. Os cenários de frente são estáticos, adequados, adequados a peças dominadas pelo intelecto, inclusive às comédias em que o riso é provocado mais pelas falas do que pela ação.
Na verdade, o teatro moderno, no que tange à arte cenográfica, tem meios para promover a representação de qualquer modelo de peça.

Iluminação

Uma boa iluminação adiciona espaço, profundidade, clima, mistério, paródia, contraste, mudanças de emoção, intimidade e medo.
A iluminação tecnicamente aplicada, sob o ângulo histórico o último elemento a ser introduzido no teatro, hoje é empregada com numerosas utilidades, até mesmo para fazer realçar o estilo de uma peça (luz de abajures em espetáculos realistas, feixes de luz atravessando o escuro para clarear atores ou projetor sombras em certos espetáculos não realistas).
Pela sua textura, pela cor, pela intensidade, a luz pode implantar uma atmosfera especial em cena, pode indicar hora, fornecer idéia do ambiente exterior etc. Uma peça alegre reclama luz cintilante e às vezes em cores quentes; uma peça de enredo pesado, exatamente o oposto; uma peça de ritmo célebre pode exigir sucessivas e abruptas mudanças de luz, uma peça de ritmo lento pode pedir diminuição gradual de luz.
A iluminação, portanto, não existe apenas para proporcionar visibilidade à cena, até porque, em alguns casos, parte da cena deve ser obscurecida sem vazamento, a fim de que a atenção do público se concentre no foco da ação.

Sonoplastia

A sonoplastia existe em função de sons e ruídos previamente estabelecidos que intervêm dentro do espetáculo, com finalidade dramática.
O repertório da sonoplastia é muito amplo: inclui os sons musicais e não musicais; os sons articulados pelo aparelho fonador e a voz inarticulada; os ruídos físicos, as manifestações sonoras da natureza, os fenômenos meteorológicos, atmosféricos; vozes de animais, rumores, estrídulos, rangidos, estalos, zumbidos, disparos, apitos, apitos, campainhas, música apoteótica, marcha nupcial, marcha fúnebre, frevo, ciranda, fado, música de realejo etc.
Estes elementos sonoros podem desempenhar as mais variadas funções no espetáculo, desde a simples função informativa a respeito de algo até o realce, a ampliação e o simbolismo das mensagens. Servem para informar, para expressar melhor, para simbolizar.
Os momentos que mais favorecem a sua entrada são as mutações: mudança de espaço, de assunto, etc. Nas mudanças, os diálogos geralmente cessam, favorecendo a entrada da música como único recurso auditivo. Mas não se deve tomar as mudanças como a possibilidade única de incidência musical. A localização da música pode perfeitamente ocorrer no interior das cenas, dos diálogos, dependendo da função que ela tem a desempenhar: contraste, intensificação, comentário, suspense, clima, etc.

Figurino

A roupa, auxiliada pela maquiagem, penteado e adereços, contribui sensivelmente para embelezar a cena, para acentuar o espírito da peça, para denunciar a temperatura ambiental e, acima de tudo, para identificar os personagens sob o ponto de vista social, econômico, psicológico, histórico e cultural; é por isso que no teatro se costuma dar tanta importância para o figurino.
Se o personagem envelhece durante a peça, se lhe ocorrem mudanças disposicionais para melhor ou para pior, ou se algum acidente ou cadeia de eventos o afeta fortemente, a si ou sua saúde, estas mudanças devem se refletir nas roupas, maquiagem e adereços.

A VIDA NO PALCO

A literatura conta histórias. Quando lê um romance, você viaja pelo mundo do autor: imagina aquelas pessoas que ele descreve, as paisagens, os ambientes... Já o teatro mostra histórias. Quando você assiste a uma peça, não precisa imaginar nada. As personagens e os cenários estão materializados diante da platéia.
O texto no teatro é essencial, mesmo que os atores não abram a boca (nesse caso eles estariam representando com gestos uma história que teve de ser escrita por alguém).
Mas no teatro o texto não é tudo, como acontece na literatura. Você pode muito bem ler um livro, sozinho num canto, e imaginar à vontade. Também pode ler uma peça, sozinho do mesmo jeito, porém essa leitura solitária vai lhe dar apenas vaga idéia do que você veria no teatro. Porque uma peça só se realiza, só ganha vida, quando chega ao palco.
Quando escreve para o teatro, o autor já está pensando em todas as pessoas que serão necessárias para dar vida a seu texto. Seu trabalho de criação não termina no final da história, como no caso de um romance. O autor de um romance precisa de um editor para publicá-lo, de um livreiro para vendê-lo e de um leitor para lê-lo, porém o que ele apresenta é uma obra acabada.
O autor teatral, também chamado dramaturgo, precisa de muito mais gente; na verdade precisa de todo um batalhão de profissionais para mostrar o que escreveu. São atores, diretor, produtor, cenógrafo, figurinista, iluminador... Sem falar no público.
Vamos por partes.

Os passos do processo

Depois de escrever uma peça, o dramaturgo a leva para uma pessoa ligada ao teatro, geralmente um ator de prestígio ou um diretor. Essa pessoa lê o texto. Se não gostar, devolve-o, e o autor terá de procurar outros interessados. Se gostar, vai tratar de montá-lo, ou seja, de representar a peça para uma platéia, de preferência lotada e empolgada.
Suponhamos que essa pessoa é o diretor. Quando lê o texto, ele já fica pensando: “Puxa, Fulano vai ficar genial nesse papel! E esse aqui é ideal para Beltrana”. O diretor procura os atores que lê gostaria de ver naqueles papéis e dá uma cópia do texto para cada um.
Digamos que tudo corre às mil maravilhas. Os atores adoram o texto, identificam-se com suas personagens e no momento não têm nenhum compromisso que os impeça de participar do projeto.
Agora precisam de um produtor, de alguém que banque o espetáculo, ou seja, que forneça o dinheiro para adquirir móveis, tecidos, roupas, acessórios – enfim todo o material necessário para a montagem -, além de pagar despesas como o aluguel do teatro, a contratação de carpinteiros, eletricistas, costureiras e outros profissionais indispensáveis, a compra de espaço para publicidade nos jornais, revistas e TV...
Mais uma vez dá tudo certo, e o trabalho pode começar. Primeiro se faz uma leitura dramática: todo o elenco se reúne, de preferência sentado em torno de uma mesa, e cada ator lê sua parte, já representando com a entonação de voz que pretende dar à personagem.
O diretor vai corrigindo, vai mostrando a cada um como deve falar. Por exemplo, um simples “Eu te amo” pode ser dito com alegria, com tristeza, com fingimento, com desespero... Depende da situação e também da maneira como o diretor imagina a cena.
O diretor tem a visão geral do espetáculo e sabe qual é o resultado que quer conseguir. Alguns diretores simplesmente impõem sua opinião, porém a maioria conversa com os atores, explica o que tem em mente, escuta o que eles acham e todos chegam a um acordo (ou pelo menos é o que se espera).
Não é só com os atores que o diretor dialoga. Ele também expõe seus objetivos aos demais membros da equipe, explicando o que espera de cada um. E, como cada um tem uma maneira de ver o espetáculo, seguem-se as discussões e as trocas de idéias. Tudo acertado, o cenógrafo tratam de criar os cenários adequados; o iluminador estuda as várias formas de usar a luz; o figurinista concebe as roupas que cada personagem terá de vestir, e assim por diante.
Depois de muito ensaio e muito trabalho, a peça está pronta para ser apresentada ao público. O dinheiro resultante da venda dos ingressos paga os salários do pessoal envolvido no espetáculo.
Reunir uma turma para montar uma peça é uma ótima experiência, pois, colocando-se na pele de uma personagem, você sai de si mesmo, esquece seus problemas e aprende a entender melhor essa complicada e maravilhosa criatura humana. Experimente.

MODELO DE CURRICULO

DANIELLE LIMA


Contatos:

Telefone: (13) 8116-6506
E-mail: danielled.lima@gmail.com
Msn: danielle_good@hotmail.com
Endereço: Av. Atlântica, 517 – Enseada – Guarujá/SP


Perfil:

Idade: 21 anos
Altura: 1.63m
Cabelos: Castanhos escuros, lisos e compridos.
Olhos: Castanhos escuros
Pele: Branca

Cursos Realizados:

Centro Cultural ViverArte de Campinas
Interpretação para TV
Ministrado por Milena Figueiredo
Ano: 1999

Clube de Regatas Santista
Interpretação e direção teatral
Ministrado por Wilker José
Ano: 2001

Centro Cultural Dom Bosco
Interpretação teatral
Ministrado por Daniella Briotto
Ano: 2003

Teatro Municipal Procópio Ferreira
Interpretação e preparação para musicais.
Ministrado por Jacobs Rodrigues
Ano: 2005





Trabalhos Realizados:

Peça "A menina e a estrela”, de Beatriz Alves, ano 1999, direção de Milena Figueiredo. Personagem interpretado: Estrela.

Peça "Renascença", de Wilker José, ano 2001, direção de Wilker José. Personagem interpretado: Menina/Artista.

Peça "Bailei na Curva", de Júlio Conte, ano 2001, direção de Wilker José. Personagem interpretado: Ruth

Peça "Atentado a um Ideal", de Marcos Sabino, ano 2003, direção de Daniella Briotto. Personagem interpretado: Ideal.

Peça "Ressureição do Negro", de Marcos Sabino, ano 2003, direção de Leonardo Lodani. Personagem interpretado: Ressureição.

Peça "Paixão de Cristo", de Marcos Sabino, ano 2003, direção de Olga Russo. Personagem interpretado: Maria Madalena.

Peça " Frankenstinho ", de Atilio Bari, ano 2003, direção de Edi Peique. Personagem interpretado: Assistente.

Peça "Paixão de Cristo", de Marcos Sabino, ano 2004, direção de Olga Russo. Personagem interpretado: Maria Madalena.

Peça "Paixão de Cristo", de Marcos Sabino, ano 2005, direção de Olga Russo. Personagem interpretado: Maria Madalena.

Peça "Balé Ralé", de Marcelino Freire, ano 2005, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Jéssica.

Peça "Pedro Pedreiro", de Renata Palotino, ano 2006, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Vedete/Lavadeira.

Peça "Pedro Pedreiro", de Renata Palotino, ano 2006, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Vedete/Delegada

Peça "Joana D’Arc", deJacobs Rodrigues, ano 2006, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Espectro de Joana

Peça "Joana D’Arc", deJacobs Rodrigues, ano 2007, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Espectro de Joana

Peça "Pedro Pedreiro", de Renata Palotino, ano 2007, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Delegada

Peça "Balé Ralé", de Marcelino Freire, ano 2007, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Jéssica

Peça "Serial Killer”, de Christian Gurtner, ano 2007, direção de Danielle Lima e Tathi Corrêa. Personagem interpretado: Serial

Peça "Tango da Lamúria", de Tathi Corrêa, ano 2007, direção de Danielle Lima e Tathi Corrêa. Personagem interpretado: Presidiária


Peça "Simplesmente Ela - Homenagem à Elis Regina ", de Grupo Teatral Redescobrir, ano 2007, direção de Jacobs Rodrigues. Personagem interpretado: Elis.

Curta-Metragem "Universidade do Grafite ", de UNAERP, ano 2007, direção de Vlaidner Lima. Personagem interpretado: Estudante.


Peça "Ópera do Malandro”, de Chico Buarque, ano 2007, direção de João Néris. Personagem interpretado: Vitória.

Peça "Teste do Sofá”, de Luciano Costta, ano 2007, direção de Luciano Costta. Personagem interpretado: Frida.

Participações em Festivais:

Festival Santista de Teatro Amador, ano de 2001 com a peça "Renascença", de Wilker José, direção de Wilker José.

Festival de Teatro do Clube de Regatas Santista, ano 2001 com a peça "Bailei na Curva", de Júlio Conte, direção de Wilker José.

Festival da Juventude Salesiana de Campinas, ano 2003 com a peça "Ressureição do Negro", de Marcos Sabino,, direção de Leonardo Lodani.

Festival Santista de Teatro Amador, ano de 2005 com a peça "Balé Ralé", de Marcelino Freire, direção de Jacobs Rodrigues.

Mapa Cultural Paulista Regional, ano de 2005 com a peça "Balé Ralé", de Marcelino Freire, direção de Jacobs Rodrigues.

Festival de Teatro Amador de Guarujá, ano 2006 com a peça "Pedro Pedreiro", de Renata Palotino, direção de Jacobs Rodrigues.

Festival Estudantil Guarujá, ano 2006 com a peça "Joana D’Arc", deJacobs Rodrigues,direção de Jacobs Rodrigues.

Festival de Estudantil de Santos, ano 2007 com a peça "Pedro Pedreiro", de Renata Palotino, direção de Jacobs Rodrigues.

Mapa Cultural Paulista Municipal, ano 2007 com a peça "Joana D’Arc", deJacobs Rodrigues,direção de Jacobs Rodrigues.

Festival Santista de Teatro Amador, ano 2007 com a peça "Simplesmente Ela - Homenagem à Elis Regina", de Grupo Teatral Redescobrir, ano 2007, direção de Jacobs Rodrigues.

O CURRICULO DO ATOR

O currículo do ator é, basicamente, como qualquer outro currículo: Possui os dados pessoais, os cursos e os trabalhos já realizados.
Porém, existem alguns detalhes que diferenciam o currículo de ator de um currículo normal. Portanto, damos aqui algumas dicas:

1- A foto e a descrição do perfil: É importante que seu currículo possua fotos de rosto e de corpo inteiro (aconselhamos roupas justas para mostrar melhor o seu porte e traços físicos - Mas isso depende muito do trabalho desejado) Como o instrumento de trabalho do ator é o corpo, é importante mostrá-lo no currículo. (Mas calma lá: Não vá colocar uma foto pornográfica ou erótica).
Uma pequena observação quanto às fotos: Mesmo que você seja muito gordo(a) ou muito magro(a), tenha cicatrizes enormes, seja careca, seja muito baixinho(a) ou muito alto(a), etc, não tente esconder nada disso, pois no mundo do teatro todo biotipo é procurado, e se você esconder, omitir ou mentir sobre algum aspecto de seu físico ou trabalho, você só estará perdendo seu tempo e o tempo dos outros.Já o seu perfil, faça o mesmo: Indique seu peso, sua altura, cor dos olhos, cor e tipo dos cabelos, cor da pele, etc.2-Cursos e trabalhos: Indique todos os cursos de teatro/tv/cinema, oficinas/workshops, palestras, etc, que você fez .Indique também os trabalhos já feitos. Sugerimos que deixe claro que tipo de trabalho foi, como e quem foi. Por exemplo: Peça "Romeu e Julieta", de William Shakespeare, ano 2003, direção de Fulano. Personagem interpretado: Romeu. Temporada de dois meses no Rio de Janeiro no teatro Tal.3-Mídia: Dizem os mais experientes que o verdadeiro currículo do ator é o jornal. Guarde e use todos os artigos de jornal, flyers, notas, colunas, fotos, guias culturais, etc. Qualquer coisa sobre algum espetáculo que tenha sido divulgada na mídia impressa e que contenha seu nome, é de grande valia para incrementar o seu currículo. Você pode xerocar os mais importantes (ou todos, se quiser) e anexar ao seu currículo. Mantenha também uma pasta organizada com todos esses recortes.4-Videobook: É caro e não são todos que têm, por isso não vamos dizer que é extremamente necessário. Mas que ajuda, ajuda. E muito. Na verdade nem precisa ser um vídeobook profissional, basta ter algum de seus trabalhos filmados. Assim, um diretor ou uma Cia, poderão ver com mais detalhes como é o seu trabalho, como você fica em cena, etc...Currículo On-line: Isso, claro, não é essencial. Mas é um serviço que oferecemos para dar mais praticidade e deixar seu currículo mais sofisticado.

Teatro musical

Teatro Musical é um estilo de teatro que combina música, canções, dança, e diálogos falados. Esta delimitada por um lado pela sua co-relação com a ópera e por outro pelo cabaré, os três apresentam estilos diferentes, mas suas linhas deliminatórias muitas vezes são difícies de conceituar.

Existem três componentes para um musical: a música, interpretação teatral e o enredo. O enredo de um musical refere-se a parte falada (não cantada) da peça; entretanto, o "enredo" pode também se referir a parte dramática do espetáculo. Interpretação teatral se relaciona as performances de dança, encenação e canto. A música e a letra juntas formam o escopo do musical; as letras e o enredo são freqüentemente impressos como um libreto.


Bharathanatyam:Teatro musical na India
O teatro musical no mundo tem sinônimos como Teatro de Revista (Brasil), Comédie musicale (França).
É muito comum ao teatro musical que os trabalhos que tenham sucesso sejam usado no cinema ou adaptados para televisão. Por outro lado alguns programas populares de televisão tem um ou outro episódio ao estilo de um musical como uma peça dentro de seu formato normal(exemplos incluem episódios de Fama,Ally McBeal, Buffy the Vampire Slayer's no episódio Once More with Feeling, Oz's Variety. Se percebe facilmente isso quando repentinamente os personagens começam a cantar e dançar como se estivessem em um teatro musical durante o episódio, outros exemplos em animação são os episódios de The Simpsons, South Park e Family Guy) -- a série televisiva Cop Rock, onde são extensamente usados os formatos musicais, não foi um sucesso.
Mesmo o teatro musical esteja espalhado pelo mundo todo, suas produções são elaboradas muito freqüentemente na Broadway em New York, no West End em Londres, e na França.
Um musical pode durar uns poucos minutos ou varias horas; entretanto, os mais populares musicais duram de duas horas à duas horas e quarenta e cinco minutos. Musicais hoje são normalmente apresentados com um intervalos de quinze minutos de duranção; no primeiro ato, é quase sempre de idêntica duração o segundo. Um musical tem normalmente por volta de vinte a trinta canções de vários tamanhos (incluindo uma reprise e adpatação para coral) entre as cenas com diálogos. Alguns musicais , entretanto, tem cançoes entrelaçadas e não tem diálogos falados. Esta é a linha fronteiriça entre musicais e ópera.
Um momento de grande emoção dramática é freqüentemente encenado numa canção. Proverbialmente, "quando a emoção torna-se tão forte no discurso, você canta; quando ela se torna tão forte na canção, você dança." Uma canção deve ser adaptada ao personagem (ou personagens) e na sua situação dentro do enredo. Um show normalmente se abre com uma canção que dá o tom ao musical, introduz de alguma forma os personagens principais, e mostra o enfoque da peça. Dentro da concentrada natureza do musical, os autores devem desenvolver os personagens e o planejamento.
A música apresenta uma forma excelente de expressar a emoção. Entretanto, na média, poucas palavras são cantadas nestes cinco minutos de canção. Portanto existe pouco tempo para desenvolver o drama que transcorre durante a peça, desde que um musical pode ter uma hora e meia ou mais de música.

O time de colaboradores de um Musical
O teatro Musical é um trabalho colaborativo com uma longa tradição histórica tanto nos tratados como na estrutura, embora novos autores dos musicais tentem flexionar esta forma de expressão tentando coisas novas, ou explorando situações que não foram exploradas ainda. Os Musicais são costumeiramente reconhecidos como uma combinação de letras, canções e dialogo falado.

Os autores
Existem normalmente vários autores em um musical. São poucos os musicais que foram escritos por apenas uma pessoa. Uma parceria de colaboradores compositores (musica), letristas (lírica) e escritores (script) são gerenciados, por um compositor/letrista, letrista/escritor (também conhecidos como letristas) ou por fim de um escritor/compositor. Podem haver muitos escritores, letristas e compositores em um musical.
Não existe uma resposta fácil para a constante dúvida sobre o teatro musical: "O que vem primeiro a letra ou música?" Cada colaborador trabalha de uma forma diferente, e tende a ser único em sua forma de trabalhar. As vezes um melodia inspira uma letra. As vezes uma letra inspira uma melodia. Entretanto, a maior inspiração para todos os autores é movida pelo tema da estória principal apresentada no show.
A idéia inicial para um novo musical pode vir dos próprios autores, ou eles podem ter sido contratados para escreverem um musical sobre um assunto especifico. O teatro musical tem uma longa tradição de adaptar livros e outros materiais para este gênero.

Barroco

Significativo durante o século XVII. Chamado de a arte da contra-reforma, o barroco é, ao mesmo tempo, uma reação ao materialismo renascentista e às idéias reformistas de Lutero e Calvino e um retorno à tradição cristã. O espírito da época é atormentado, cheio de tensão interna, marcado pela sensação da transitoriedade das coisas, pessimista e com gosto pelo macabro. A princípio sóbrio e depurado, torna-se, com o tempo, rebuscado, com abundância de metáforas.
FRANÇA

O teatro francês, ao contrário do inglês e do espanhol, consegue adaptar-se ao gosto refinado do público aristocrático a que se destina. Obedece a regras muito rigorosas: o tema é obrigatoriamente imitado de um modelo greco-romano; as unidades aristotélicas têm de ser respeitadas; a regra do "bom gosto" exige que a ação, de construção lógica e coerente, nunca mostre situações violentas ou ousadas; o texto, em geral em versos alexandrinos, é muito poético. A fundação da Comédie Française por Luís XIV (1680) transforma o teatro numa atividade oficial, subvencionada pelo Estado.
Autores franceses - Em Cid, Pierre Corneille descreve o conflito entre o sentimento e a razão; e esta última é vitoriosa. Jean Racine (Fedra) pinta personagens dominados por suas paixões e destruídos por elas. Em suas comédias, Molière cria uma galeria de tipos (O avarento, O burguês fidalgo) que simbolizam as qualidades e os defeitos humanos. Em todos esse autores se notam traços que vão se fortalecer no neoclassicismo.
Molière (1622-1673), pseudônimo de Jean-Baptiste Poquelin. Filho de um rico comerciante, tem acesso a uma educação privilegiada e é desde cedo atraído pela literatura e a filosofia. Suas comédias, marcadas pelo cotidiano da época, são capazes de criticar tanto a hipocrisia da nobreza quanto a avidez do burguês ascendente. Suas principais obras são O avarento, O burguês fidalgo, Escola de mulheres, Tartufo, O doente imaginário.
INGLATERRA

Um período de crise começa quando, após a Revolução Puritana, em 1642, Oliver Cromwell fecha os teatros. Essa situação perdura até a Restauração (1660).
Autores ingleses - No início do século XVII, destacam-se John Webster (A duquesa de Malfi) e John Ford (Que pena que ela seja uma prostituta). Depois da Restauração os nomes mais importantes são os dos colaboradores Francis Beaumont e John Fletcher (Philaster).
ITÁLIA

O teatro falado é pouco original, copiando modelos da França. Mas na ópera ocorrem revoluções que modificam o gênero dramático como um todo. Em 1637, a Andrômeda, de Francesco Manelli, inaugura o teatro da família Tron, no bairro veneziano de San Cassiano, modelo para casas futuras.
Espaço cênico italiano - Troca-se a cena reta greco-romana pelo "palco italiano", com boca de cena arredondada e luzes na ribalta, escondidas do público por anteparos. Pela primeira vez é usada uma cortina para tampar a cena. As três portas da cena grega são substituídas por telões pintados que permitem efeitos de perspectiva e é introduzida a maquinaria para efeitos especiais. Apagam-se as luzes da sala durante o espetáculo, para concentrar a atenção do público no palco. Há uma platéia e camarotes, dispostos em ferradura. A ópera torna-se tão popular que, só em Veneza, no século XVII, funcionam regularmente 14 teatros.

Teatro Renascentista

Do século XV ao XVI. Prolonga-se, em alguns países, até o início do século XVII. O teatro erudito, imitando modelos greco-romanos, é muito acadêmico, com linguagem pomposa e temática sem originalidade. Mas, em vários países, o teatro popular mantém viva a herança medieval. As peças são cheias de ação e vigor, e o ser humano é o centro das preocupações.
ITÁLIA

Em reação ao teatro acadêmico surgem, na Itália, a pastoral, de assunto campestre e tom muito lírico (Orfeo, de Angelo Poliziano); e a commedia dell'arte. As encenações da commedia dell'arte baseiam-se na criação coletiva. Os diálogos são improvisados pelos atores, que se especializam em personagens fixos: Colombina, Polichinelo, Arlequim, o capitão Matamoros e Pantalone. Os cenários são muito simples - um telão pintado com a perspectiva de uma rua. Na commedia, surgem atrizes representando mulheres. Mais tarde, comediógrafos como Molière, Marivaux, Gozzi e Goldoni vão inspirar-se em seus tipos. A primeira companhia de commedia dell'arte é I Gelosi (os ciumentos), dos irmãos Andreini, fundada em 1545. Como autor deste período destaca-se Maquiavel. Sua peça A mandrágora, é considerada uma das melhores comédias italianas.
INGLATERRA

O teatro elizabetano tem seu auge de 1562 a 1642. As peças caracterizam-se pela mistura sistemática de sério e cômico; pelo abandono das unidades aristotélicas clássicas; pela variedade na escolha dos temas, tirados da mitologia, da literatura medieval e renascentista, e da história; e por uma linguagem que mistura o verso mais refinado à prosa mais descontraída.
Autores elizabetanos - O maior nome do período é o de William Shakespeare. Além dele se destacam Christopher Marlowe (Doutor Fausto), Ben Jonson (Volpone) e Thomas Kyd (Tragédia espanhola).
William Shakespeare (1564-1616) nasce em Stratford-upon-Avon e mora em Londres durante parte da vida. Alguns historiadores contestam a autoria de sua obra por a acharem muito culta para um homem que não pertencia à nobreza. Mas a maioria dos críticos o considera o maior dramaturgo de todos os tempos. Sua técnica é extremamente pessoal e sintonizada com sua época. Em suas tragédias (Romeu e Julieta, Macbeth, Hamlet, Rei Lear ou Otelo), comédias (A tempestade, A megera domada, Sonhos de uma noite de verão) ou dramas históricos (Henrique V), demonstra uma profunda visão do mundo, o que faz com que sua obra exerça influência sobre toda a evolução posterior do teatro.
Espaço cênico elizabetano - A casa de espetáculos, de forma redonda ou poligonal, tem palco em até três níveis para que várias cenas sejam representadas simultaneamente. Circundando o interior do edifício, num nível mais elevado, ficam as galerias para os espectadores mais ricos. Os mais simples ficam em pé, quase se misturando aos atores no nível inferior do palco. Uma cortina ao fundo modifica o ambiente.
ESPANHA

Entre os séculos XVI e XVII o teatro espanhol chega ao apogeu. As regras eruditas são desprezadas e as formas originárias das apresentações populares são incorporadas em peças de ritmo rápido, com ações que se entrecruzam. Temas mitológicos, misturados a elementos locais, estão impregnados de sentimento religioso.
Autores espanhóis - Destacam-se Fernando Rojas (Celestina), Miguel de Cervantes (Numância), Felix Lope de Vega (O melhor juiz, o rei), Pedro Calderón de la Barca (A vida é sonho) e Tirso de Molina (O burlador de Sevilha).
Espaço cênico espanhol - As casas de espetáculos são chamadas de corrales, pois o palco, em diversos níveis e sem cenários, fica no centro de um pátio coberto.

Teatro na Antiguidade

No século VI a.C., na Grécia, surge o primeiro ator quando o corifeu Téspis destaca-se do coro e, avançando até a frente do palco, declara estar representando o deus Dionísio. É dado o primeiro passo para o teatro como o conhecemos hoje. Em Roma os primeiros jogos cênicos datam de 364 a.C. A primeira peça, traduzida do grego, é representada em 240 a.C. por um escravo capturado em Tarento. Imita-se o repertório grego, misturando palavra e canto, e os papéis são representados por atores masculinos mascarados, escravos ou libertos.
GRÉCIA

Do século VI a.C. ao V d.C., em Atenas, o tirano Pisístrato organiza o primeiro concurso dramático (534 a.C.). Apresentam-se comédias, tragédias e sátiras, de tema mitológico, em que a poesia se mescla ao canto e à dança. O texto teatral retrata, de diversas maneiras, as relações entre os homens e os deuses. No primeiro volume da Arte poética, Aristóteles formula as regras básicas para a arte teatral: a peça deve respeitar as unidades de tempo (a trama deve desenvolver-se em 24h), de lugar (um só cenário) e de ação (uma só história).
Autores gregos - Dos autores de que se possuem peças inteiras, Ésquilo (Prometeu acorrentado) trata das relações entre os homens, os deuses e o Universo. Sófocles (Édipo) e Eurípides (Medéia) retratam o conflito das paixões humanas. Do final do século IV a.C. até o início do século III a.C., destacam-se a "comédia antiga" de Aristófanes (Lisístrata), que satiriza as tradições e a política atenienses; e a "comédia nova", que com Menandro (O misantropo) critica os costumes.
Ésquilo (525 a.C.?-456 a.C.?) nasce numa família nobre ateniense e luta contra os persas. Segundo Aristóteles, é o criador da tragédia grega. Escreve mais de noventa tragédias, das quais sete são conhecidas integralmente na atualidade - As suplicantes, Os persas, Os sete contra Tebas, Prometeu acorrentado e a trilogia Orestia, da qual fazem parte Agamenon, As coéforas e Eumenides.
Sófocles (495 a.C?-406 a.C.) vive durante o apogeu da cultura grega. Escreve cerca de 120 peças, das quais sete são conservadas até hoje, entre elas Antígona, Electra e Édipo Rei. Nesta última, Édipo mata o pai e casa-se com a própria mãe, cumprindo uma profecia. Inspirado nessa história, Sigmund Freud formula o complexo de Édipo.
Eurípides (484 a.C.?-406 a.C.) é contemporâneo de Sófocles e pouco se sabe sobre sua vida. Suas tragédias introduzem o prólogo explicativo e a divisão em cenas e episódios. É considerado o mais trágico dos grandes autores gregos. Em sua obra destacam-se Medéia, As troianas, Electra, Orestes e As bacantes.
Aristófanes (450 a.C.?-388 a.C?) nasce em Atenas, Grécia. Sua vida é pouco conhecida, mas pelo que escreve se deduz que teve boa educação. Sobrevivem, integralmente, onze de cerca de quarenta peças. Violentamente satírico, critica as inovações sociais e políticas e os deuses em diálogos inteligentes. Em Lisístrata, as mulheres fazem greve de sexo para forçar atenienses e espartanos a estabelecerem a paz.
Espaço cênico grego - Os teatros são construídos em áreas de terra batida, com degraus em semicírculo para abrigar a platéia. A área da platéia é chamada de teatron e o conjunto de edificações recebe o nome de odeion. O palco é de tábuas, sobre uma armação de alvenaria, e o cenário é fixo, com três portas: a do palácio, no centro; a que leva à cidade, à direita; e a que vai para o campo, à esquerda. Essa estrutura de palco permanecerá até o fim da Renascença. Na fase áurea, teatros, como o de Epidauro, perto de Atenas, já são de pedra e situam-se em locais elevados, próximos aos santuários em honra a Dionísio.
ROMA

Predomina a comédia. A tragédia é cheia de situações grotescas e efeitos especiais. Durante o Império Romano (de 27 a.C. a 476 d.C.) a cena é dominada por pantomimas, exibições acrobáticas e jogos circenses.
Autores romanos - Na comédia destaca-se Plauto (A panelinha), no século III a.C., e Terêncio (A garota de Ândria), no século II a.C. Suas personagens estereotipadas darão origem, por volta do século XVI, aos tipos da commedia dell'arte. Da tragédia só sobrevivem completas as obras de Sêneca (Fedra), que substituem o despojamento grego por ornamentos retóricos.
Plauto ( 254 a.C.?-184 a.C.), além de dramaturgo romano, possivelmente trabalha também como ator. Adapta para Roma enredos de peças gregas e introduz nos textos expressões do dia-a-dia, além de utilizar uma métrica elaborada. Seus textos alegres são adaptados várias vezes ao longo dos séculos e influenciam diversos autores posteriores, entre eles Shakespeare e Molière.
Espaço cênico romano - Até 56 a.C. as encenações teatrais romanas são feitas em teatros de madeira; depois, surgem construções de mármore e alvenaria, no centro da cidade. Com o triunfo do cristianismo, os teatros são fechados até o século X.

Um pouco de História... n° 2

O teatro no Brasil surgiu no século XVI, tendo como motivo a propagação da fé religiosa. Dentre uns poucos autores, destacou-se o padre José de Anchieta, que escreveu alguns autos (antiga composição teatral) que visavam a catequização dos indígenas, bem como a integração entre portugueses, índios e espanhóis.Exemplo disso é o Auto de São Lourenço escrito em tupi-guarani, português e espanhol.
Um hiato de dois séculos separa a atividade teatral jesuítica da continuidade e desenvolvimento do teatro no Brasil. Isso porque, durante os séculos XVII e XVIII, o país esteve envolvido com seu processo de colonização e em batalhas de defesa de território. Foi a transferência da corte portuguesa para o Rio de Janeiro em 1808, que trouxe inegável progresso para o teatro, consolidado pela Independência, em 1822.
O ator João Caetano formou, em 1833, uma companhia brasileira. Seu nome está vinculado a dois acontecimentos fundamentais da história da dramaturgia nacional: a estréia, em 13 de março de 1838, da peça Antônio José ou O Poeta e a Inquisição, de autoria de Gonçalves de Magalhães, a primeira tragédia escrita por um brasileiro e a única de assunto nacional; e, em 4 de outubro de 1838, a estréia da peça O Juiz de Paz na Roça, de autoria de Martins Pena chamado na época de o "Molière brasileiro", que abriu o filão da comédia de costumes, o gênero mais característico da tradição cênica brasileira.
Gonçalves de Magalhães ao voltar da Europa em 1867,introduziu no Brasil a influência romântica que iria nortear escritores, poetas e dramaturgos. Gonçalves Dias (poeta romântico) é um dos mais representativos autores dessa época, e sua peça Leonor de Mendonça teve altos méritos, sendo até hoje representada. Alguns romancistas, como Machado de Assis, Joaquim Manuel de Macedo,José de Alencar, e poetas como Álvares de Azevedo e Castro Alves, também escreveram peças teatrais no século XIX.
O século XX despontou com um sólido teatro de variedades, mescla do varieté francês e das revistas portuguesas. As companhias estrangeiras continuavam a vir ao Brasil, com suas encenações trágicas e suas óperas bem ao gosto refinado da burguesia. O teatro ainda não recebera as influências dos movimentos modernos que pululavam na Europa desde fins do século anterior.
Os ecos da modernidade chegaram ao teatro brasileiro na obra de Oswald de Andrade, produzida toda na década de 1930, com destaque para O Rei da Vela, só encenada na década de 1960 por José Celso Martinez Corrêa. É a partir da encenação de Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues, que nasce o moderno teatro brasileiro, não somente do ponto-de-vista da dramaturgia, mas também da encenação, e em pleno Estado Novo.
Surgiram grupos e companhias estáveis de repertório. Os mais significativos, a partir da década de 1940, foram: Os Comediantes, o TBC, o Teatro Oficina, o Teatro de Arena, o Teatro dos Sete, a Companhia Celi-Autran-Carrero, entre outros.
Quando tudo parecia ir bem com o teatro brasileiro, a ditadura militar veio impor a censura prévia a autores e encenadores, levando o teatro a um retrocesso produtivo, mas não criativo. Prova disso é que nunca houve tantos dramaturgos atuando simultaneamente.
Com o fim do regime militar, no início da década de 1980, o teatro tentou recobrar seus rumos e estabelecer novas diretrizes, surgiram grupos e movimentos de estímulo a uma nova dramaturgia.

Um pouco de História...

A palavra teatro define tanto o prédio onde podem se apresentar várias formas de artes quanto uma determinada forma de arte.
O vocábulo grego Théatron estabelece o lugar físico do espectador, "lugar onde se vai para ver". Entretanto o teatro também é o lugar onde acontece o drama frente à audiência, complemento real e imaginário que acontece no local de representação. Ele surgiu na Grécia antiga, no século IV a.C.
Toda reflexão que tenha o drama como objeto precisa se apoiar numa tríade: quem vê, o que se vê, e o imaginado. O teatro é um fenômeno que existe nos espaços do presente e do imaginário, e nos tempos individuais e coletivos que se formam neste espaço.
O teatro é uma arte em que um ator, ou conjunto de atores, interpreta uma história ou atividades, com auxílio de dramaturgos, diretores e técnicos, que têm como objetivo apresentar uma situação e despertar sentimentos na audiência.

A consolidação do teatro, enquanto espetáculo na Grécia antiga deu-se em função das manifestações em homenagem ao deus do vinho, Dionísio. A cada nova safra de uva, era realizada uma festa em agradecimento ao deus, através de procissões.
Com o passar do tempo, essas procissões, que eram conhecidas como "Ditirambos" foram ficando cada vez mais elaboradas, e surgiram os "diretores de coro" (os organizadores das procissões).
Nas procissões, os participantes se embriagavam, cantavam, dançavam e apresentavam diversas cenas das peripécias de Dionísio. Em procissões urbanas, se reuniam aproximadamente vinte mil pessoas, enquanto que em procissões de localidades rurais (procissões campestres), as festas eram menores.
O primeiro diretor de coro foi Téspis, que foi convidado pelo tirano Préstato para dirigir a procissão de Atenas. Téspis desenvolveu o uso de máscaras para representar pois, em razão do grande número de participantes, era impossível todos escutarem os relatos, porém podiam visualizar o sentimento da cena pelas máscaras.
O "Coro" era composto pelos narradores da história, que através de representação, canções e danças, relatavam as histórias do personagem. Ele era o intermediário entre o ator e a platéia, e trazia os pensamentos e sentimentos à tona, além de trazer também a conclusão da peça. Também podia haver o "Corifeu", que era um representante do coro que se comunicava com a platéia.
Em uma dessas procissões, Téspis inovou ao subir em um "tablado" (Thymele – altar), para responder ao coro, e assim, tornou-se o primeiro respondedor de coro (hypócrites). Em razão disso, surgiram os diálogos e Téspis tornou-se o primeiro ator grego.

Sempre Redescobrir!!!!!!! Eis o Hino!

Como se fora brincadeira de roda, memória
Jogo do trabalho na dança das mãos macias
O suor dos corpos na canção da vida, história
O suor da vida no calor de irmãos, magia
Como um animal que sabe da floresta perigosa
Redescobrir o sal que está na própria pele macia
Redescobrir o doce no lamber das línguas, macias
Redescobrir o gosto e o sabor da festa, magia
Vai o bicho homem fruto da semente, memória
Renascer da própria força, própria luz e fé, memória
Entender que tudo é nosso, sempre esteve em nós,história
Somos a semente, ato, mente e voz, magia
Não tenha medo, meu menino bobo, memória
Tudo principia na própria pessoa, beleza
Vai como a criança que não teme o tempo, mistério
Amor se fazer é tão prazer que é como se fosse dor,magia
Como se fora brincadeira de roda, memória
Jogo do trabalho na dança das mãos macias
O suor dos corpos na canção da vida, história
O suor da vida no calor de irmãos, magia

REDESCOBRIR SIM! E COM MUITO ORGULHO!

Estamos aqui... dominando e invadindo o mundo bloggueiro também. Gostem ou não, estamos aqui! Ninguém nos segura......... Olha o REDESCOBRIR aí gente!!!