AS ESCOLAS E ESTILOS

A palavra teatro vem acompanhada normalmente de um adjetivo. Os defensores da ortodoxia cênica recusam algumas qualificações, por julgá-las pleonásticas. O conceito de teatro já compreenderia, por exemplo, o social e o popular. Essas reinvidicações extremadas, entretanto, não impedem que se dependure sempre um qualificativo no teatro. As escolas afixam-se a ele: teatro romântico, realista, naturalista, simbolista, expressionista, surrealista, futurista, dadaísta, etc.
A seguir enumeramos as principais escolas ou estilos dramáticos, dando seus respectivos significados, embora de maneira sintética e também elementar.

Romantismo: Mostra as coisas fantasiosamente, explorando o sentimentalismo.
Realismo: Mostra as coisas exatamente como são, sem retoques.
Mostra as coisas tão naturalmente quanto possível, à semelhança de uma reprodução fílmica da realidade.
Expressionismo: Mostra as coisas não como elas se apresentam normalmente, e sim como julga que devam ser na sua essência.
Surrealismo: Mostra as coisas sem qualquer coerência, como ocorre no mecanismo dos sonhos.
Simbolismo: Mostra as coisas acentuando, poeticamente, através de alegorias, a significação que elas encerram.
Dadaísmo: Mostra as coisas de maneira lúdica, sem dar ao pensamento um sentido lógico.
Futurismo: Mostra as coisas em condições inéditas, projetando-as dinamicamente no tempo.
Realismo Seletivo: Mostra as coisas como são, porém em termos manifestamente artísticos, sem copiar a naturalidade da vida.

OS GÊNEROS DRAMÁTICOS

Na atualidade é difícil distinguir com exatidão os gêneros dramáticos, em virtude da grande da evolução que o teatro teve, todavia, por um esforço de boa vontade, vamos fornecer, sem maiores pretensões, uma idéia elementar dos mesmos, alinhando-os assim:

Tragédia: Peça de enredo funesto, dominado pela fatalidade e desenvolvido em tom de grandiloqüente.

Comédia: Peça em que predomina a sátira e a graça.

Drama: Peça que situa entre a tragédia e a comédia.

Tragicomédia: Peça trágica entrecortada por incidentes cômicos, cujo desenlace não é funesto.

Melodrama: Peça dramática na qual as situações são exageradas, dando-se ao trivial demasiada ênfase.

Farsa: Peça cômica marcante pela caricatura e tonalidade burlesca.

Revista: Peça de estrutura fragmentada e divertida, onde cenas de humor se alternam com números musicais valorizados pelo canto e pela coreografia.

Opereta: Peça feita à feição de pequena ópera estilizada.

Vaudeville: Peça cômica sustentada quase sustentada quase que unicamente pela intriga e pelo qüiproquó.

Commedia Dell’Arte: Peças praticamente improvisadas em cima de sinopses, com liberdade para os atores interpretarem a seu modo os personagens de caracterização fixa.

Sketches: Peças ligeiras, de curtíssima duração.

SONOPLASTIA

A sonoplastia é de suma importância na atividade teatral. O sonoplasta espírita, em primeiro lugar, deve seguir todas as recomendações gerais dadas acima ao espírito-espírita. Além disso, o estudo de técnicas, teorias teatrais e principalmente música é fundamental. Quanto às suas tarefas específicas, é necessário que o sonoplasta possua um repertório musical minimamente diversificado, para que possa fazer de sua atividade um instrumento de ampliação do sentimento da cena. Lembrando-se sempre de que as músicas e sons utilizados devem estar intimamente ligados ao que acontece na cena, o sonoplasta deve acompanhar o texto passo a passo e estudá-lo também, a fim de desempenhar como vários já explicaram sonoplastia vou lhe recomendar um filme onde há sonoplasta: "Um tiro na noite" do Brian de palma, o John Travoltta é quem faz o sonoplasta. Cada vez mais satisfatoriamente sua tarefa.

ILUMINAÇÃO

Tanto o estudo quanto a documentação concernentes à iluminação no teatro brasileiro ainda estão por ser realizados.1 Dispomos de pouquíssimas informações a respeito do assunto e, na volátil circunstância que cerca o fenômeno teatral, ela parece ser sua parcela mais fluida, desaparecendo com o blackout final.
No Brasil, a iluminação cênica conheceu, grosso modo, todos os estágios por ela experimentados em seu desenvolvimento histórico na Europa. Nossas primeiras manifestações teatrais, com a arregimentação de índios Tupi por José de Anchieta, ocorreram nas ensolaradas praias litorâneas, sob a luz natural que havia saudado o nascimento do teatro ocidental na Grécia Clássica, 2 mil anos antes. Nossas “casas de ópera”, os edifícios teatrais da era colonial, empregavam candeeiros e velas, tal como nos teatros metropolitanos, recursos que permitiam bem poucos efeitos ou atmosferas cênico-ficcionais. A partir da segunda metade do século XIX, foi introduzida a iluminação a gás e, já na virada para o século XX, a de lâmpadas incandescentes. Esse último recurso veio a possibilitar, dentro de seus limites, certo manejo estético da iluminação.
As considerações sobre a luz cênica não devem ser dissociadas daquelas relativas ao espaço cênico e à cenografia, não apenas pela contigüidade que manifestam mas, acima de tudo, porque, na maioria das vezes, os responsáveis pela iluminação eram os decoradores e cenógrafos, que a exerciam em modo complementar. Como função autônoma, o iluminador só vai surgir, no plano internacional, na primeira metade do século XX e, no Brasil, salvo raras exceções, a partir dos anos 1970, embora a atividade permaneça ainda hoje, em não poucos casos, como extensão das funções do encenador ou do cenógrafo.
Antes de iniciar um brevíssimo painel sobre os percursos evolutivos da iluminação teatral entre nós, gostaria de destacar algumas de suas particularidades estéticas.
A luz natural, proveniente do Sol e se deslocando segundo seu curso aparente, é percebida em si mesma como dramática, pois cria efeitos de sombras, faz brilhar superfícies, possibilita a gama de cores, cria relevos e alternâncias, infunde calor, propiciando a captação visual dos contornos, o sentido da tridimensionalidade e da perspectiva, além da duração dos instantes.
Independentemente de estilos ou afiliações artísticas dos espetáculos, a composição de um plano de iluminação para um espaço fechado deve equacionar ao menos quatro propriedades da luz, a ser pensadas em função de seus valores dramáticos:
intensidade: da menor claridade até o maior brilho alcançável, a iluminação possibilita o fenômeno da visão. A intensidade trabalha com alguns atributos,

CENOGRAFIA

Uma cenografia não é um telão; é um envolvimento. Representa-se em cena, não em frente dela. [...] Uma boa cena não deve ser uma pintura, mas uma imagem. [...] É um sentimento, uma evocação, uma presença, um estado de alma, um vento morno que ateia as chamas do drama. Pretende ser compreendido por todos, da mesma maneira, em qualquer parte do mundo. Na verdade, o que para um pode ser uma expressão cenográfica sublime, poderá parecer bastante desagradável para outro. Um cenógrafo, usando material velho, poderá nos deixar sem fôlego com seu trabalho. O mesmo cenário que nos fascina, a outro pode parecer um amontoado de lixo. Como qualquer atividade artística, a cenografia revela, através do material e das formas que usa um conjunto de emoções e de idéias relativas e pessoais. Não há dúvida de que a cenografia é de importância fundamental para o sucesso de uma montagem, devendo servir a inumeráveis objetivos. A cenotécnica, a iluminação e a indumentária permitem uma qualidade no resultado final do espetáculo tal que, cada vez mais, diretores e produtores buscam o auxílio de profissionais considerados competentes e de talento artístico inegável para a elaboração e a realização de seus projetos cênicos.
Mas a arte cênica é uma arte especial, difícil. Cabe ao cenógrafo conciliar uma série de condições para permitir uma resposta à proposta cênica do diretor. Tudo tem que ser previsto, calculado com o maior rigor, para que sejam evitados os exageros, para que não se sacrifique a intenção do dramaturgo, para que se respeite o sentimento exato da concepção cênica, sem apelar para efeitos banais e fáceis. O cenógrafo colabora com o diretor, mas também com o autor, no sentido de que, através dos elementos descritivos que propõe, sejam representados tanto o pensamento do autor, como a verdade cênica desejada pelo diretor.

FIGURINO

Figurino é parte da construção do personagem por intermédio do corpo da (o) atriz/ator. Sem o personagem não existe figurino. Sem o corpo não existe a roupa. E sem o corpo do ator não existe o personagem com seu figurino. Esse corpo não é o corpo anatômico, passivo, mas um corpo histórico e psiquicamente constituído por seu pertencimento a um local, a um tempo e a um grupo.Figurino é o traje usado por um personagem de uma produção artística.Cada época tem um padrão de corpo predominante. O figurino tem como suporte o corpo do ator que, necessariamente, traz em si elementos desse padrão. As mesmas medidas não determinam a adequação de um figurino, porque este figurino se soma ao que o ator tem de singular, ou seja, à maneira particular que o ator encarna, ao mesmo tempo, o padrão, que é mais amplo, e o figurino, que é específico. Figurinista - é o profissional que idealiza ou cria o figurino de diversos personagens de uma produção de cinema, teatro ou vídeo. Quase sempre as pessoas confundem a profissão de figurinista com a de estilista, embora só tenham em comum o fato de lidar com roupas. O estilista deve criar tendências para a moda, sempre comprometido com a estética e com a indústria de roupas. O figurinista não tem esta obrigação, mas a roupa que cria deve contar uma história, a história de quem está vestindo. Nada impede que um figurinista elabore desfiles ou um estilista faça figurino de um filme, como foi o caso do figurino masculino do filme Os Intocáveis, que foi criado pelo estilista italiano Giorgio Armani.O Figurino tem que revelar muito dos personagens, para elaborá-lo, o figurinista deve levar em conta uma série de fatores como a época em que se passa a trama, o local onde são gravadas as cenas, o perfil psicológico dos personagens, o tipo físico do ator e as orientações de luz e cor feitas pelo diretor de arte. Um(a) figurinista precisa ter uma boa formação cultural e acadêmica. Nos Estados Unidos, na França e Itália o figurino está diretamente ligado ao designer e à comunicação visual e existem cursos específicos para a sua formação. No Brasil a profissão está longe de ter o reconhecimento que merece e são poucos os cursos que existem.Cabe ao figurinista compor, através da combinação entre as roupas, adereços, cabelos e maquiagem, o tipo (estilo) que melhor convém ao personagem e estabelecer um código de representação que não, necessariamente, mantenha vínculo com a realidade.Existe uma grande distância entre o realismo cênico e a verdade histórica. É preciso associar os materiais pertinentes ao espírito das personagens, jogando no figurino sua atmosfera simbólica e psicológica. A verdade do "Eu" interior, traduzindo assim, a sua relação com o exterior.Figurinista é aquele que vai vestir os personagens de um determinado texto dramático, uma determinada história, sempre para localizar tempo e espaço e algumas vezes, marcar características psicológicas de uma determinada personagem.Diferente de moda, que produz em série, o figurino é sempre exclusivo.Os materiais que se utilizam, são os mais variados possíveis, e nem sempre estão comprometidos com a durabilidade e realidade. Aliás, o bom figurino, é aquele que consegue passar a idéia de um material nobre com recursos muito simples. Podemos observar este trabalho no cinema, no teatro, nos shows, no carnaval e em muitas outras festas populares.O que é preciso aprender para se tornar um figurinista?Ser figurinista começa na compreensão de um texto que um tem um formato dramatúrgico, que é diferente na sua estrutura e na sua leitura, pois não é um conto, nem um romance, que temos o costume de apreciar.A formação específica, ajuda imensamente na sistematização, na metodologia e na reflexão, que é essencial para se relacionar com o seu ofício .Na TV, temos profissionais vindos das escolas de moda, formação mais dinâmica, no campo do vestuário, especializadas em modelagem, o fazer técnico das roupas e novas tecnologias têxteis, contudo sem formação no contexto teatral cujo caracter é o ponto de partida essencial do figurino.Para ser figurinista , quais as melhores dicas?Desenho da figura humana ,suporte do figurinista, onde ela imprime sua marca, seu diferencial.Beber de todas fontes de aprendizado: filmes de época, peças teatrais, livros de arte. Saber ver e contemplar as coisas a sua volta, como as pessoas nas ruas, as tribos urbanas com suas diferentes formas de comportamento etc.Disponibilizar ferramentas atuais, como computador e a Internet. Enfim, ligar-se no mundo, viajar circular...Globalização significa que você pode desenvolver o seu trabalho em qualquer parte do mundo e ter o poder da universalidade. "Fale de sua aldeia, e falarás ao mundo".